Este álbum lo escuché por recomendación y, en la primera escucha, los primeros temas me entraban suaves pero después era un calvario. Ahora, con varias escuchas hechas, puedo decir que es un gran disco. Obviamente, no puedo decir que no es nada monótono, porque aunque no como al principio, aún me lo parece un poco. Eso sí, los primeros temas, espectaculares.
El álbum compila dieciséis pistas no solo para sumergirte en la nostalgia del emo rock clásico, sino también para mostrar el verdadero trabajo duro que la banda realmente ha realizado después de dejar a los fanáticos al límite esperando más.
Sus temas clave son amor y pérdida, sufrimiento y salvación y se sienten tan atemporales como siempre. Sin embargo, la música ha seguido adelante, con los límites que separan el rock, el pop y la música dance más porosos que nunca.
Veamos el disco a fondo ahora.
El disco empieza con
El cantante Bert McCracken compartió estas palabras sobre la canción en sus cuentas de redes sociales:
"Siempre he estado un poco obsesionado con Paradise Lost. Realmente profundicé en el poema y su autor, John Milton. Mientras leía muchos de sus ensayos políticos, me di cuenta de que mucho de lo que dice "Satanás" en Paradise Lost son citas directamente de la boca de John Milton. Mucha gente pensó que él era el diablo en aquel entonces. Tuvo un gran problema con la muestra de opulencia de la Iglesia. Pensó que era asqueroso. Su poema trata sobre la revolución fallida contra la Iglesia de Inglaterra, que es la revolución fallida de Satanás en la tierra. ¿Y qué es más increíble o emocionante que una revolución fallida?"
Esta canción es un impresionante inicio que podríamos catalogar como algo entre el rock y el punk. Sin duda las guitarras y la voz del cantante están perfectamente marcadas aquí. Yo lo relacionaría con un tema de rebelión. Me viene a la cabeza un niño en verano que se escapa de su instituto mientras esto suena.
Luego viene
Bert McCracken sobre la canción: "Ya sea que signifique metafóricamente el poder de las palabras en general o aumente la preocupación por la situación de la violencia armada social, instamos a los fanáticos de nuestra música a encontrar un significado individual y personal en todas nuestras canciones."
El final de esta canción es fantasía. Esta canción es en colaboración con Jason Aalon Butler.
Esta canción tiene un aire más oscuro que la anterior. Empieza con voces en off que rápidamente se convierten en rabia. Hasta que llega ese final. Por favor, escuchadlo.
Vamos con
Esta canción es excepcional. Cuenta con efectos de sonido, voces limpias, belleza musical y un estribillo catchy. Muy catchy.
Además, te consigue motivar la canción. Su letra habla sobre eso, sobre querer sobresalir en esta sociedad.
La podríamos catalogar como una canción algo "plana", ya que no hay cambios de ritmo o voces diferentes. Es muy parecida durante todo su recorrido pero creo que es de las mejores por su estribillo, su `puente también me gusta mucho, y sobretodo su letra.
Continuamos con
"Es una canción sobre dónde vamos cuando fallamos y qué hacemos con nuestros errores."
-Bert para Apple Music
Esta canción empieza mal, para mí. Demasiado lenta y monótona. Pero cuando llega el estribillo todo cambia. Se vuelve más ocura y tormentosa.
Hacia el final es cuando se vuelve hermosa de verdad para mí. Acaba con unos aplausos y un efecto de sonido que recuerda al abismo.
Vamos con
"Mi relación con la música es tumultuosa. Esto comenzó como una idea para escribir una canción sobre cómo odio cada canción, pero adquirió un segundo significado realmente sentimental. Cuando pasas tiempo con música durante un período difícil, esos registros se solidifican con un recuerdo doloroso. Hay registros en mi vida que no puedo escuchar hoy en día sin volver a esa época, y es doloroso. La música es tan poderosa como esa."
-Bert para Apple Music
Canción extremadamente catchy y con ligeros tintes de ocuridad en algunas partes aunque no en la mayoría de la canción, donde parecen estar todos felices en un mundo feliz.
El disco nos sorprende con
Empieza con la voz más aguda del mundo (quitando a Rob Halford en Painkiller ok). Una canción más bien lenta y síper corta, dura 1 minuto.
El disco continúa con
Canción que empieza con voces tímidas y robóticas sobre un ritmo a lo Nine Inch Nails.
La canción parece hablar de disociación. La despersonalización donde "te ves y oyes" a ti mismo actuando, hablando, etc., pero "no eres tú", se siente como un sueño o viendo una película. Personalmente, de pequeño he sentido esta sensación, más que nada, jugando a videojuegos muchas horas. Creo que cuando pasas demasiadas horas haciendo algo "que no es real", como ver películas o jugar videojuegos, es cuando pasa.
La canción es menos catchy para mí que las anteriores, raro en esta banda. Pero sí, conserva su belleza aún. Hay pequeños trozos en los que te habla una voz en susurros, lo que hace sentir la canción más próxima y, con lo cual, gustará a mucha más gente.
Continuamos con
Esta canción empieza limpia y como un canto a dios hasta que se vuelve más rápida para volver a bajar el tempo con susurros del cantante que te repiten "Ignorance is this".
Como se puede ver en esta imagen, Infinite Jest de David Foster Wallace es uno de los libros favoritos de Bert McCracken. Bert ha hablado sobre este libro en muchas entrevistas, anteriormente, y lo ha citado como inspiración para The Canyon.
Vamos con
"Walking with the fire" clama el estribillo que es más catchy que los chicles. Tiene una voz más bien tímida hasta ese momento.
Gravity’s Rainbow es el nombre de un libro de Thomas Pynchon. Como Bert declaró en una entrevista, es uno de sus libros favoritos de todos los tiempos.
Llegamos a
Cuando empieza parece de las típicas canciones de discoteca. Con una voz limpia te va llevando por sus recónditos lugares hasta que llega al estribillo y te encuentras que es una canción que Lady Gaga poría tener en su repertorio.
"En esta canción en particular, Jeph nunca había tocado slap bass y estábamos como '¿por qué no intentas tocar slap bass?' Su primera toma es lo que escuchas en el disco."
-Bert
El título de la siguiente canción es
"Hay un pequeño arreglo sobre una canción que hemos hecho con un poema mío realmente especial, esa es la canción principal del disco. El poema ha existido probablemente desde 2012. Lo escribí en una especie de momento horrible, un momento violento, un momento extremo, pero lo capturé. Y entonces tienes esa sensación, tienes esa pequeña cápsula de ese momento lista cuando quieras sacarla, donde quieras ponerla. Y si es bueno, puedes leerlo cinco o seis años después y decir: "sí, todavía siento eso."
-Bert para Razor
Luego viene
Esta es una canción en colaboración con el artista Mark Hoppus
El título de la canción es una referencia al libro "To the Lighthouse" de Virginia Woolf.
Esta canción se me hace muy sentimental con las voces de ambos artistas y gritando al cielo "I can be you lighthouse".
Todos apreciamos a esas personas que nos quieren y algunas personas lo que quieren es querer.
Llegamos a
Esta es una canción en colaboración con Travis Barker y bien podría ser una canción remember de veranos pasados, o así la veo yo. Parece recordar pasadas y bonitas memorias.
También, cuando véis el vídeo, aparecen varias cartas que recuerdan al tarot.
Vamos con
Canción rápida y agresiva. Aunque no como Slayer. En esta canción colabora Caleb Shomo.
Esta canción por momentos te transporta a una jungla. Una selva que está rodeada de peligros. El final también es apoteósico.
Esta canción toma su nombre de una historia corta escrita por Shirley Jackson. No es la única canción del álbum que lleva el nombre de un libro.
Continuamos con
Esta canción es probablemente la más groove de aquí, pues me despierta un pequeño headbang que es obligatorio realizar.
Acaba con un bonito coro con múltiples voces que te hace recordar que hay que tener esperanza en este mundo.
Finalmente, llegamos a
Una canción que realmente te hace sentir emociones. "I just wanna waste my time, but not like this at all" podría resumir la canción.
Una canción en la que destacan las guitarras haciendo su arpeggio más bonito que el lado frío de la almohada. No sentir nada es muy duro con lo cual obviamente las personas queremos y necesitamos sentir algo para ser personas, ya que si no sientes nada... ¿Qué sentido tiene la vida?
Hacia el final se vuelve jodidamente oscura.
No me ha disgustado. Las canciones son bonitas, las guitarras y las voces están bien y no es un mal álbum. ¿Entoncess qué le pasa? Bueno, quizá las canciones se parecen mucho entre sí a salvo de unas pocas de ellas. Pero lo escucharía otra vez.
The Used tiene un sonido distinguido y único. Va a ser extremadamente difícil superar esto en el futuro, ya que realmente parece que la banda ha logrado su mejor trabajo hasta el momento. Con casi 20 años en el juego bajo sus cinturones y una clara pasión por contar historias y hacer música, The Used es visiblemente invencible cuando se trata del antiguo emo, ahora la estética del hard rock. Tener el regreso de John Feldmann para producir este álbum fue definitivamente lo que la banda necesitaba para llegar a donde necesitaban estar. No hace falta decir que los fanáticos que han estado al borde de sus asientos con anticipación no deberían decepcionarse con este. Es una nueva evolución para The Used.
La calidad de producción también es muy alta en este disco y se nota que la banda y John Feldmann trabajaron muy duro para que el disco sonara de la manera que lo hace.
Un disco que va a cambiar el rumbo de esta banda a mejor.
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Playlist con la mejor canción de cada post que hago:
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