by Siberiann on Paul Lindstrom
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Las yemas de los dedos de cualquier instrumentista de cuerda pulsada reconocen de inmediato la tensión particular que exige la madera plana. La cítara, en su larga y sinuosa trayectoria histórica, nunca fue un mero acompañante de taberna, sino un organismo resonante que ha mutado a lo largo de los siglos para adaptarse a las manos que la despiertan. Sus orígenes más remotos se pierden en la bruma de las liras y cítaras de la antigüedad clásica, aunque el linaje directo del instrumento que hoy se sostiene sobre las rodillas o se apoya en una mesa tiene sus raíces más tangibles en los valles alpinos y las tradiciones folclóricas europeas.
El verdadero punto de inflexión en la biografía de la cítara ocurre cuando abandona la rusticidad para colarse en los salones vieneses. Hacia la primera mitad del siglo XIX, la figura de Johann Petzmayer resulta ineludible para comprender cómo se transformó la técnica y la percepción del instrumento. Petzmayer no solo elevó el virtuosismo, sino que obligó a los luthiers a replantear la arquitectura de la caja. Se necesitaba mayor volumen, mayor sustain y una respuesta más ágil para las exigencias del repertorio clásico y las danzas de la época. Así nace la cítara de concierto, despojada de mástil, con las cuerdas de acompañamiento y los bajos flotando libremente sobre la tapa armónica, separadas de las cuerdas de melodía por ese traste metálico que marca el límite entre la tierra y el cielo sonoro.
Quien se acerca por primera vez al atril de una cítara de concierto se enfrenta a un desafío físico y mental fascinante. La mano izquierda, armada con un plectro o simplemente con la uña, debe navegar por un diapasón ancho, buscando la precisión milimétrica sobre los trastes. La mano derecha, por su parte, asume la tarea de un director de orquesta microscópico, pulsando los bajos y las cuerdas de acompañamiento con púas de cuero o metal, mientras lucha constantemente contra el enemigo silencioso de cualquier instrumentista de cuerda: la resonancia descontrolada. El arte de amortiguar, de silenciar lo que no debe sonar para que el acorde brille con claridad, es la verdadera marca de un citarista experimentado.
La literatura para el instrumento es un ecosistema dual. Por un lado, existe ese repertorio popular que huele a madera de abeto y a valses lentos, inmortalizado en la memoria colectiva por la banda sonora de El tercer hombre, donde Anton Karth demostró que una sola cítara podía sostener el peso dramático de toda una película. Por otro lado, los compositores serios encontraron en su timbre un color único, casi celeste, capaz de evocar arpas antiguas o clavicordios lejanos. Las transcripciones de obras de Mozart o Beethoven, tan populares en el siglo XIX, revelan una versatilidad que pocos instrumentos de cámara poseen.
Hoy en día, sostener una cítara sobre el regazo es asumir el legado de siglos de adaptación. El luthier sigue tallando la picea de resonancia con el mismo respeto que hace cien años, buscando ese punto exacto donde la madera deja de ser un objeto inerte para convertirse en una cámara de eco viva. Cada rasgueo, cada trino sobre el traste de latón, cada acorde de bajos profundos que nace desde el costado derecho de la caja, es un recordatorio de que la evolución de este instrumento no se mide en fechas de patentes, sino en la capacidad de su voz para seguir emocionando a quien decide sentarse a dialogar con sus cuerdas.
La percepción auditiva de la cítara sufrió una mutación radical al cruzar el umbral del cine. Cuando las sombras de Viena se entrelazaron con el punteo de Anton Karas en El tercer hombre, el instrumento dejó de ser un objeto de salón para convertirse en un personaje con peso dramático. El timbre metálico y percusivo, capaz de transitar de la melancolía más profunda a un ritmo casi febril, ofreció a los directores una herramienta narrativa sin igual. Desde entonces, su presencia en las bandas sonoras rara vez es casual; evoca de inmediato un sentido de desarraigo, de nostalgia centroeuropea o de una elegancia decadente. El séptimo arte adoptó su resonancia para pintar paisajes emocionales donde la palabra sobra, demostrando que una sola cuerda pulsada puede sostener la tensión de un plano secuencia entero.
Las letras, por su parte, han abordado el instrumento no tanto por su mecánica, sino por lo que su sonoridad sugiere. Poetas y novelistas encontraron en su estructura un espejo de la memoria y la introspección. La caja de resonancia, plana y vasta, se describe a menudo en las páginas como el receptáculo de los susurros olvidados. En la prosa, la imagen del citarista en la posada alpina o en la sala de estar burguesa sirve para anclar al personaje en una tradición que se resiste a la modernidad. La literatura ha tomado su cualidad etérea para describir estados de trance, donde las palabras del narrador intentan imitar el arpegio sostenido, esa vibración que se queda suspendida en el aire mucho después de que la mano se haya retirado de los trastes.
Esa misma carga evocadora se derramó hacia la estética visual y la indumentaria. Durante el apogeo de la cítara de salón en el siglo XIX, el instrumento dictó una moda específica, una elegancia contenida. Los retratos de la época muestran a intérpretes, a menudo mujeres de la burguesía, ataviadas con vestidos de corte imperio o trajes de noche que complementaban la horizontalidad del instrumento sobre el regazo. Más tarde, el resurgir folclórico vinculó la cítara ineludiblemente a la estética alpina, consolidando el imaginario visual de los trajes tradicionales, los bordados y los tejidos de lana que acompañaban a los músicos. La moda absorbió la silueta del instrumentista, convirtiendo la postura de quien toca la cítara en un ícono de elegancia rústica o de refinamiento, dependiendo del contexto social.
Más allá de su propio repertorio, la arquitectura de la cítara ha dejado una herencia técnica en otros territorios sonoros. Su disposición de cuerdas al aire y su exigente técnica de amortiguación influyeron en el desarrollo de la luthería de otros instrumentos. La lógica de los bordones y la melodía superpuesta se puede rastrear en la evolución del autoharp y, de manera más indirecta, en la concepción de la guitarra hawaiana o la lap steel, donde el instrumento se coloca en posición horizontal para buscar esa misma resonancia continua. En la música contemporánea, creadores de ambient, neoclásica y post-rock han recurrido a la cítara o a sus variantes para texturizar sus composiciones. El uso de preparaciones, como colocar objetos sobre las cuerdas para alterar el timbre, bebe directamente de la experimentación acústica que los intérpretes tradicionales aplicaban para imitar otros instrumentos. Así, la cítara ha trascendido sus fronteras, inyectando su ADN sonoro en géneros que buscan la inmersión, demostrando que su voz sigue vibrando en las frecuencias más íntimas de la creación.
La cítara no se limita a ser un conjunto de cuerdas tensadas sobre madera; representa un punto de encuentro donde la identidad regional choca y se funde con la aspiración universal. Como hito cultural, funciona como un espejo de las transformaciones sociales de Europa Central, reflejando el paso de una sociedad agraria y cerrada a una burguesía urbana que buscaba en lo folclórico una raíz auténtica frente a la industrialización acelerada. En los valles alpinos, el instrumento era el corazón latente de la comunidad, el eje alrededor del cual giraban las celebraciones, los duelos y las historias transmitidas oralmente. Su presencia en la mesa familiar o en la plaza del pueblo validaba la pertenencia al grupo, creando un código sonoro compartido que nadie necesitaba explicar para entender.
Sin embargo, su verdadero peso histórico radica en su capacidad de cruzar fronteras sin perder su esencia. Cuando la cítara salió de las montañas para instalarse en los conservatorios de Viena y París, provocó una revalorización de lo popular dentro de la alta cultura. No fue una apropiación vacía, sino una elevación técnica que obligó a repensar qué merecía ser considerado arte serio. Este movimiento generó una tensión creativa fértil, donde compositores académicos tuvieron que aprender a respetar la idiosincrasia del instrumento, adaptando sus partituras a las limitaciones físicas y acústicas de la cítara en lugar de imponerle estructuras ajenas. Esa negociación entre la tradición oral y la escritura musical formal marcó un antes y un después en la etnomusicología europea.
En la memoria colectiva contemporánea, la cítara actúa como un ancla temporal. En un mundo digitalizado y acelerado, su sonido orgánico, imperfecto y profundamente humano ofrece una resistencia silenciosa a la homogeneización sonora. Los festivales dedicados exclusivamente a este instrumento, que proliferan desde Baviera hasta Estados Unidos, no son meros actos nostálgicos, sino espacios vivos de preservación activa. Allí, jóvenes luthiers y músicos experimentales dialogan con maestros ancianos, demostrando que la tradición no es un museo estático, sino un río que cambia de cauce pero mantiene su agua. La cítara sigue siendo un testimonio de la paciencia, de la escucha profunda y de la belleza que surge cuando se permite que la madera hable con su propia voz, recordando a la sociedad moderna que ciertas conexiones humanas requieren tiempo, silencio y una resonancia que no puede ser simulada.
Es todo por hoy.
Disfruten del mix que les comparto, esta vez, sin voz, solo instrumental.
Chau, BlurtMedia…
